La 26.ª edición de la Semana del Diseño Neerlandés presentó obras de más de 2.500 diseñadores, desde profesionales consolidados hasta talentos emergentes, junto con colaboraciones con grandes marcas. Su lema, Rebel Authentic Worth (R.A.W.), se centró en el valor social, cultural y económico del diseño, con énfasis en la experimentación, la investigación de materiales y la imaginación radical.

El programa destacó enfoques experimentales y sin pulir en un momento en que la tecnología y la IA favorecen cada vez más la optimización y la perfección visual. Varios proyectos también abordaron la incertidumbre en torno al progreso tecnológico y cómo el diseño podría ofrecer perspectivas alternativas. Estos son 11 proyectos que destacaron.

La exposición anual de graduación de la Design Academy Eindhoven reunió objetos, instalaciones e investigaciones de diseñadores que terminaban sus estudios. Sus proyectos examinaron contradicciones: desde las formas en que las tradiciones pueden generar un sentido de pertenencia y, al mismo tiempo, arrastrar historias coloniales o nacionalistas, hasta las posibilidades —y la incertidumbre económica— asociadas a profesiones emergentes. La exposición también abordó los sistemas institucionales, ya que, poco antes, los estudiantes habían protestado por lo que describían como espacios de estudio inadecuados e instalaciones limitadas.

Blind Spots, una instalación pública de Fairspace, Studio Shruthi Venkat y Sagitta Creatives, planteó la pregunta de a quién está destinada la seguridad pública. Mediante cámaras de vigilancia, pantallas y mallas de obra, exploró la superposición entre protección, vigilancia y control. Los visitantes recorrían capas de malla, escuchaban distintos testimonios grabados y podían sujetar a las redes relatos de sus propias experiencias, creando un registro cada vez mayor de diferentes formas de entender la seguridad.

En Woven Landscapes, la artista e investigadora de materiales Ori Orisun Merhav combinó fibras de palma tejidas con resina producida por insectos. Las formas escultóricas exploraban cómo los materiales moldeados por organismos vivos podrían influir en el diseño. Merhav, fundadora del estudio de investigación Made by Insects, investiga la goma laca, una resina natural secretada por ciertos insectos. Los recipientes resultantes ponen en diálogo las técnicas de tejido y unión con los procesos biológicos.

El artista y diseñador británico-nigeriano Yinka Ilori colaboró con la marca neerlandesa de artículos para el hogar Brabantia en There Is Magic in Joy, una colección de edición limitada concebida para hacer más agradables las tareas cotidianas. La gama aplica los colores intensos y los motivos gráficos de Ilori a artículos prácticos, como fundas para tablas de planchar y cubos de basura.

TAM Industries, con sede en Eindhoven, utilizó su instalación House of Lights para mostrar cómo la impresión 3D podría aportar formas más expresivas a la arquitectura prefabricada. La estructura se imprimió con plástico reciclado en las máquinas de la empresa, y el color se incorporó al material en lugar de aplicarse como pintura. La iluminación integrada transformaba el aspecto de la fachada al anochecer. El proyecto también exploró cómo podrían reutilizarse los materiales cuando la estructura dejara de ser necesaria.

Beacons of Hope, de Rive Roshan, utilizó vidrio, metal y luz en movimiento para crear reflejos cambiantes. El dúo de diseño de Ámsterdam concibió la instalación como un lugar donde los visitantes pudieran hacer una pausa y encontrar conexión y tranquilidad en medio de la incertidumbre.

El artista Gijs Schalkx presentó Onderweg naar een toekomst (En camino hacia un futuro), una colección de vehículos funcionales que incluye una motocicleta impulsada por gas de pantano, un coche que funciona con residuos plásticos y una bicicleta eléctrica voladora. Estas máquinas poco convencionales ponen en duda las ideas habituales sobre eficiencia, progreso y sostenibilidad. Schalkx dijo que los vehículos pretenden mostrar los sistemas y las infraestructuras que hay detrás de la tecnología, en lugar de rechazarla.

The Ashtray, the Cupboard, and the Leather Boots, de The DIRT, exploró por qué las pertenencias cotidianas pueden convertirse en objetos preciados gracias a los recuerdos personales. La exposición surgió de conversaciones con tres mujeres sobre objetos significativos, cuyas grabaciones acompañaban nuevas obras de los diseñadores Stina Henriksson, Lotte Raida y Astrid Vagner. Sus piezas reflexionaban sobre los vínculos entre objetos, memoria e identidad, e incluían rituales en torno al fuego, recuerdos de acampadas y expectativas relacionadas con el cuerpo y el calzado de las mujeres.

Los estudiantes de la Swedish School of Textiles presentaron Exit26, una exposición que amplió las definiciones convencionales de tejido. Las obras conectaban artesanía, tecnología, color y materialidad, y transitaban entre los textiles, la escultura y el diseño de prendas. Entre ellas, The Jeweld Hand, de Viola Schmidt, presentaba hilos que salían de un largo guante de ante, mientras que Weaving Life Stories of Resilient Women, de Phlox van Oppen, empleaba un tejido jacquard de varias capas para examinar la resiliencia y la transformación.

La cómoda Picche de Atelier Arunika, diseñada por Arunika Sarkar y elaborada a mano en India, reinventó el mobiliario de almacenaje con cajones redondeados, en forma de píldora, y proporciones juguetonas. Inspirada en el diseño posmoderno y el universo visual del cineasta Wes Anderson, la pieza trata un objeto funcional como algo con carácter y presencia propios.

Por último, Impakt – Centre for Media Culture presentó Code 2026: Terms of Intimacy, una exposición de siete obras sobre las formas en que las tecnologías digitales recopilan y utilizan voces, atención y datos corporales. Entre los temas figuraban el consentimiento biométrico y la compañía de la IA. La exposición convirtió las preguntas sobre privacidad y autonomía en experiencias físicas e interactivas, y planteó cómo las tecnologías que prometen intimidad y conexión también podrían influir en quienes las utilizan.

Fuentes: Design Milk.