A 26.ª edição da Dutch Design Week apresentou trabalhos de mais de 2.500 designers, de profissionais consagrados a talentos emergentes, além de colaborações com grandes marcas. Seu tema, Rebel Authentic Worth (R.A.W.), concentrou-se no valor social, cultural e econômico do design, com ênfase na experimentação, na pesquisa de materiais e na imaginação radical.
O programa destacou abordagens experimentais e sem polimento, numa época em que a tecnologia e a IA favorecem cada vez mais a otimização e a perfeição visual. Vários projetos também consideraram a incerteza em torno do progresso tecnológico e como o design poderia oferecer perspectivas alternativas. Estes são 11 projetos que se destacaram.
A mostra anual de formandos da Design Academy Eindhoven reuniu objetos, instalações e pesquisas de designers recém-formados. Seus projetos examinaram contradições, desde as maneiras como as tradições podem criar pertencimento enquanto carregam histórias coloniais ou nacionalistas até as possibilidades — e a incerteza econômica — associadas a profissões emergentes. A exposição também abordou sistemas institucionais, já que os estudantes haviam protestado recentemente contra o que descreveram como espaço inadequado nos estúdios e instalações limitadas.
Blind Spots, uma instalação pública de Fairspace, Studio Shruthi Venkat e Sagitta Creatives, questionou a quem se destina a segurança pública. Usando câmeras de vigilância, telas e redes de construção, explorou a interseção entre proteção, vigilância e controle. Os visitantes atravessavam camadas de tela, ouviam diferentes relatos gravados e podiam prender às redes relatos de suas próprias experiências, criando um registro crescente de diferentes percepções de segurança.
Em Woven Landscapes, a artista e pesquisadora de materiais Ori Orisun Merhav combinou fibras de palmeira trançadas com resina produzida por insetos. As formas escultóricas refletiam sobre como materiais moldados por organismos vivos poderiam influenciar o design. Merhav, que fundou o laboratório de pesquisa Made by Insects, investiga a goma-laca, uma resina natural secretada por certos insetos. Os recipientes resultantes colocam técnicas de tecelagem e amarração em diálogo com processos biológicos.
O artista e designer britânico-nigeriano Yinka Ilori colaborou com a marca holandesa de artigos para casa Brabantia em There Is Magic in Joy, uma coleção de edição limitada criada para tornar as tarefas cotidianas mais prazerosas. A linha aplica as cores vibrantes e os padrões gráficos de Ilori a itens práticos, incluindo capas para tábuas de passar roupa e lixeiras.
A TAM Industries, de Eindhoven, usou sua instalação House of Lights para demonstrar como a impressão 3D poderia trazer formas mais expressivas à arquitetura pré-fabricada. A estrutura foi impressa em plástico reciclado com as máquinas da empresa, e a cor foi incorporada ao material em vez de ser aplicada como tinta. A iluminação integrada alterava a aparência da fachada depois de escurecer. O projeto também considerou como os materiais poderiam ser reutilizados quando a estrutura deixasse de ser necessária.
Beacons of Hope, do Rive Roshan, usou vidro, metal e luz em movimento para criar reflexos mutáveis. A dupla de design de Amsterdã concebeu a instalação como um lugar onde os visitantes pudessem fazer uma pausa e encontrar conexão e segurança em meio à incerteza.
O artista Gijs Schalkx apresentou Onderweg naar een toekomst (A caminho de um futuro), uma coleção de veículos funcionais que inclui uma motocicleta movida a gás de pântano, um carro que funciona com resíduos plásticos e uma bicicleta elétrica voadora. As máquinas pouco convencionais questionam ideias arraigadas de eficiência, progresso e sustentabilidade. Schalkx afirmou que os veículos pretendem revelar os sistemas e a infraestrutura por trás da tecnologia, em vez de rejeitá-la.
The DIRT: The Ashtray, the Cupboard, and the Leather Boots explorou por que objetos comuns podem se tornar preciosos por causa das lembranças pessoais. A exposição surgiu de conversas com três mulheres sobre objetos significativos, acompanhadas por gravações dessas conversas e por novas obras das designers Stina Henriksson, Lotte Raida e Astrid Vagner. As peças examinaram os vínculos entre objetos, memória e identidade, incluindo rituais em torno do fogo, lembranças de acampamentos e expectativas relacionadas ao corpo das mulheres e aos calçados.
Estudantes da Swedish School of Textiles apresentaram Exit26, uma exposição que foi além das definições convencionais de tecido. As obras conectavam artesanato, tecnologia, cor e materialidade, transitando entre têxteis, escultura e design vestível. Entre elas, The Jeweld Hand, de Viola Schmidt, apresentava fios que se estendiam de uma longa luva de camurça, enquanto Weaving Life Stories of Resilient Women, de Phlox van Oppen, recorria à tecelagem jacquard em múltiplas camadas para examinar resiliência e transformação.
A cômoda Picche, do Atelier Arunika, projetada por Arunika Sarkar e feita à mão na Índia, reinventou o mobiliário de armazenamento com gavetas arredondadas, em formato de pílula, e proporções lúdicas. Inspirada pelo design pós-moderno e pelo universo visual do cineasta Wes Anderson, a peça trata um objeto funcional como algo com personalidade e presença próprias.
Por fim, Impakt – Centre for Media Culture apresentou Code 2026: Terms of Intimacy, uma exposição com sete obras sobre as maneiras como as tecnologias digitais coletam e usam vozes, atenção e dados corporais. Entre os temas estavam o consentimento biométrico e a companhia oferecida pela IA. A exposição transformou questões de privacidade e autonomia em experiências físicas e interativas, perguntando como tecnologias que prometem intimidade e conexão também podem moldar seus usuários.
Fontes: Design Milk.